TALK SESSION
『Shadow』菊池桃子×林哲司 Spotify特別対談
1984年のデビューから、シングル12枚、アルバム４枚で全作曲を担当した林哲司との実に35年ぶりのタッグとなる新曲２曲を含むコンセプト・アルバム『Shadow』がリリースされた。近年の世界的なシティポップブームにおいて高い評価を得ている菊池桃子作品。これにより、当時シングルの陰に隠れてしまっていたアルバム曲への評価が促されるという現象まで起こっている。そこでここでは、Spotifyで公開しているプレイリスト『菊池桃子 meets 林哲司』に収録されている対談から、アルバムについて、さらに新曲について聞いた内容を一部抜粋・再編集してお届けする。
※対談の全貌はぜひSpotifyのプレイリストでお聴きください。
☆Spotifyプレイリスト『菊池桃子 meets 林哲司：世界が注目する桃子サウンドの全貌』はこちら＞
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「Blind Curve」は、桃ちゃんの声が入ることで生まれる化学変化を
アルバムを作りながら楽しんだ曲のひとつ──林
──新作『Shadow』が新曲2曲とあとはアルバム曲からセレクトされているということで、4枚のオリジナルアルバムについて『OCEAN SIDE』から時系列でお聞きしていければと思います。
林デビューシングルだった「青春のいじわる」ですけど、このころってまだ僕の中で確実な “菊池桃子像” みたいなものがつかめてないんですよ。結果としてすごく似合ってるとは思うんだけど、のちに語られているような菊池桃子サウンドと言えるものにはまだなってなくて。それまでの典型的なアイドル作品のギラギラした感じとかウェットな感じのものって僕はけっこう苦手なんだけど、桃ちゃんを最初に見たときに、自分の持っている根本的な個性と、彼女の醸し出す雰囲気っていうのがその段階でもう、合うんじゃないかなって気はしていました。
──なるほど。アルバムのアートワークも他のアイドルのそれとは一線を画したものでした。
林当時のアイドルのアルバムジャケットは基本的に顔のアップでニッコリっていうポートレートがほとんどっていう中で、『OCEAN SIDE』は外国の海をメインに水面に桃ちゃんが浮かんでるっていう、要は僕もプロデューサーも、いい意味で桃ちゃんはいわゆる典型的なアイドルとは違うと感じていたんでしょう。
菊池アルバムジャケットは、当時からすごくかっこいいと思って撮影していました。サウンドもそうですし、ジャケットものちに「アイドルっぽくないね」と言われるようになっていったんですけど、それをしていることがかっこいいなって。
林当時、プロデューサーや僕たちの間で共有していたひとつの命題として、大学生が持ってもおかしくないデザインと音楽を目指そうっていうのはあったんですよ。
菊池私も当時、たとえば私が15歳・16歳で、同年代の方々がレコードを購入してくれるとして、彼らが大人になったときに照れ臭くなってどこかにしまい込んでしまわないような、いつまでもそばに置いておくことに抵抗がない音楽を作ってるんだよとプロデューサーから聞かされていました。音楽的にもちゃんとしたコンセプトの中に自分がいられたことは今考えてもすごく幸せです。
林アルバムの曲については、例えば通学のときはどんな感じで街を歩いてるのかなとか、家ではどんな時間を過ごしているのかなとか、そういったひとつひとつのシーンを歌にできればいいかなと思ってましたね。
──「Ocean Side」の歌詞には杉山清貴＆オメガトライブのアルバム『AQUA CITY』が出てきますし、そういった意味でも日常を切り取ったような世界観というのは合点がいきます。
菊池聴いてました聴いてました。いちばん身近な先輩ですし、デビューした順番としても、真似してお手本にしようとしていたかたでもありました。『AQUA CITY』を聴いて「かっこいいサウンドだなぁ」と思いながら、私も同じスタッフのもとで歌えるなんて幸せだと思っていました。
──また、「Blind Curve」が2020年12月にインドネシアのRainychにカバーされ、世界配信されました。アルバム曲なのでファン以外の人にはあまり知られていない曲でもあったわけですが、当時の桃子さんにとってこの曲はどういう位置にあった曲でしょう？
菊池当時ですか？ そうだなぁ……。
──85年のライブ映像を観ると、カラフルなジャケットを着て、シンセ弾きながら歌ってらっしゃって、その画を切り取るともう今でいうシティポップなビジュアルだなぁって思ったんです。
菊池コードの和音を押さえてるだけなんですけど、音楽に近づけている感じがして嬉しかったですね。
──このときの桃子さんの挙動を見てると、「私この曲のかっこ良さがわかるの、みんなもわかる？」とでも言いたげな感じがして。
菊池子供でしたけど、知ってる気がして歌ってました（笑）。
──林さんとしてはこの曲はどういう位置づけだった曲ですか？
林僕もRainychさんがカバーしたときは驚きましたけどね、なんでシングル曲じゃないの？って（笑）。でもこの曲はちょっとブラコンぽい、ソウルポップな曲ですけど、桃ちゃんの声が入ることですごく中和されて独特の個性が出るんですよね。そういう化学変化を1stアルバムを作りながら楽しんだ曲のひとつというか、この先も面白いことができそうだっていう感じは受けたと思います。でも当時、歌っててどうでした？ 難しかったでしょう？
菊池難しいとは正直思ってました。当時は今みたいに歌う環境が整っていないことも多かったので……何回も歌って、本当に正しくそこに到達するということを目指していました。とにかく何回も歌って。
──では続いて2ndアルバム『TROPIC OF CAPRICORN ～南回帰線～』の時期についてお聞きしたいと思います。シングル「雪にかいたLOVE LETTER」、そしてオリコン1位を獲得した「卒業 -GRADUATION-」と、テレビ露出など含めかなり忙しかった時期なのではと思います。
菊池忙しかったですね。私こんなに何十年も芸能界にいるとは当時思ってなくて、どこかで、大学を出たら就職するものと思っていたんですよ。それに親との約束で高校にちゃんと通いながらのこの時期だったんですけど、夕方まで学校で勉強して、しかも高校は進学コースにいたので、すごく真面目に勉強してて。
──映画やドラマの撮影もあったんですよね。
菊池寝る時間がない感じでした。
──そんな中で制作された『TROPIC OF CAPRICORN』ですが、この時期にはアルバム曲の「Alfa Flight」や「Dear Children」をテレビで歌唱されていたりもしていて。
菊池たしかに歌ったぁ～。
林へぇー、そうなんだ。
菊池アルバムが出る時期に歌わせてもらいましたね。
林引っ張りだこだったから番組もそういう機会を用意してくれたんでしょうね。
──ある意味でそれは桃子さんの楽曲のクオリティの高さの証左であり、アイデンティティのようなものが確立されたからとも言えるのかなと。
林そうですね。桃ちゃんのイメージと僕の音楽が密接につながっていていることを確信はしてましたし、シングルもアルバムも売り上げ実績としてファンに届いているという実感も十分に伝わってきてたので、「卒業」で正解を出せたっていう思いと、そこからもっといい作品を書きたいっていう弾みを得たようなタイミングが『TROPIC OF CAPRICORN』の時期なのかな。
──桃子さんにとって『TROPIC OF CAPRICORN』の曲でお気に入りの曲はと聞かれると？
菊池それがですね、これだとは言えないくらい全部好きなんですよ。歌わせていただいた曲はどれも好きになっちゃうもので。私、子供の頃からピアノのお稽古してましたけど、出される課題曲をどの曲も優秀に仕上げることができたわけではなくて、ムラのある子供だったんです。メジャーキーの明るい曲が子供の頃からあんまり好きじゃなくて。
林そうなんだ！
菊池変わった子ですよね。童謡なら「ちいさい秋みつけた」とか「ドナドナ」とか、マイナーコードの響きが切ない曲が５歳くらいから大好きで。それにいちばん最初、小学生のときに耳コピしてピアノで弾いたのはイーグルスの「Hotel California」だったんです。
林えぇ！ ほんとに！？
菊池という感じなんですよ先生。だからそんな私にとっては『TROPIC OF CAPRICORN』はご馳走で。
林そうなんだ。いや意外なことを聞きましたね。
当時から林先生のアレンジを楽しみにしていて、
分析しながら感動しています。──菊池
──では3rdアルバム『ADVENTURE』の時期について。シングルとしては「もう逢えないかもしれない」「Broken Sunset」「夏色片想い」を経てのアルバムで、「もう逢えないかもしれない」でいうと、ここまでミディアムバラードのシングル曲が続くという流れがありました。
菊池私自身はあまりそういう意識はなくって、ただアップテンポの曲じゃなくてミディアムにしてもスローにしても、一貫して自分がやらなきゃいけないことには気づいていた気がします。できるかはまた別問題なんですけど、ビートをしっかり捉えておくこと……8（エイト）というより16ぐらいまで意識してビートを入れておくことが正解っていう意識がありました。最近、林哲司先生に「桃ちゃんはけっこう頭で考えて歌うね」みたいなことを言われたんですが、たぶんずーっと一貫してそうなんだろうなぁって思って。
林新曲の作業をしてて感じたのは、リズムをしっかり身体に入れるんですよね。それって外側から見てる “菊池桃子” のイメージとは違う、意外とアグレッシブなものがあったりとか、ちょっとロックっぽいものがあったりとか。
菊池たしかに。
林音楽的にはおもしろい趣向があるなっていうのは感じました。「もう逢えないかもしれない」についてもそうで、Bメロでリズムの取り方をわざとズラしてる箇所があるんです。そこをキチっと乗りきってるから、リズムしっかりしてるなって。「（そんな怒った）・か・お・を～」「（手も握れない）・わ・た・し～」が全部ウラ（拍）なんですよ。作為的にね。そこをちゃんと取ってるから。
菊池やったー。嬉しい～。
──16でリズムを取っているからこそですよね。
林そうそう、そういうことですよね。
──では『ADVENTURE』についてですけど、このアルバムは海外でも人気の作品となっています。
林このアルバムはね、85年の武道館ライブのオープニング用に書いたインストゥルメンタル曲（『ADVENTURE』収録の「Overture」）をモチーフに、アルバムのラストにもう一度同じメロディが出てきて終わる、コンセプチュアルなアルバム作りをしてみたかったんです。いわば菊池桃子の『Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band』を作ろうというくらいの、傑作を作りたいっていう気持ちがありましたね。
──なるほど。海外人気の噂などは桃子さんの耳に入ってきていましたか？
菊池そうですね、今から1年半くらい前にテレビ番組で、アメリカのティーンエイジャーだと思うんですけど、「Mystical Composer」をかけて「この曲好きなんだ」って言いながらベースを弾いて歌ってたんです。それを観て、「ん、何が起こってるんだ？？」って思いまして。あとそれとちょうど同じころに自分のInstagramとかラジオの番組に外国の若者からメッセージが届くようになったんです。「『ADVENTURE』聴いてます」、「『ADVENTURE』大好き」っていうコメントが急増して、それで知りました。
──林さんはどんなふうにこのことを知ったのでしょう？
林『ADVENTURE』が海外で聴かれているっていうのは周囲から聞いてはいたんですよ。ただ、それにくっついて「Mystical Composer」が特に聴かれているっていう話で、それについてはまったくわからず、なんで「Mystical Composer」なのか、それは今もわからない。なぜかっていうと、アルバムを構成するときにシングル曲を柱として、それに寄り添うような曲を書いていくわけなんですけど、メロディアスな曲だけを集めればいいというわけじゃないんですね。そういう曲をつなげるとお互い食い合ってしまったりして、マイナスな面も生まれるんです。たとえば今回の『Shadow』で収録曲と曲順を考えているときに、桃ちゃんからも入れたい曲のリクエストをもらったんだけど、桃ちゃんは意外とアグレッシブな曲を選ぶんです。そうなると並びとしてバラードの次に置くことで両方が生きて光ってくるとかを考えるじゃないですか。「Mystical Composer」ってじつはそういう曲として書いたんですよ。
──前後の引き立て曲ということですか？
林次の曲への橋渡し的なものとして書いたんです。
菊池えーーーーっ（驚）。
林ただ当時不思議だったのは、僕もコンポーザーだから、「Mystical Composer」ってもしかして僕のこと？っていう自惚れがあって（笑）。
菊池いやそうですよねこれは。そうだと思って歌ってました、ほんとに。
林でもこういう曲を好んで海外の人たちが聴いているっていうのは不思議ですよね。僕たちが捉えるビート感とはまた違うものがあるのかなという気もします。
──なるほど。ビート感という意味では「Good Friend」はNight Tempoによる “ザ・昭和グルーヴ” でBPMが20近く速いテンポでリエディットされましたよね。
林僕もディスコのアルバムを70年代末に作ったことがあるんですけど、その当時よりも生活のリズムとか、みんなが感じてる世の中のテンポって上がってるから、今にふさわしいテンポなのかもしれないですよね。
──桃子さんはNight Tempoさんの「Good Friend」をどうお聴きになりましたか？
菊池日本の人ならここで日本語は切らないでしょうっていうところでリフレインしたりして、すごく新しいものを聴かせてくれたなっていう思いがありますね。あと、Night Tempoさんのサウンドのお料理の仕方を聴いてて思ったのは、音符を譜面どおりに正確に刻むことが、あとからデジタル処理しやすいのかなって。譜面より変に引っ張って歌ったりとか先走ったりとかしない……（歌い方の）アレンジができないっていうのは私の弱みでもあるんですけど、もしかしたら素材として使ってもらうには強みになるのかなって、そんなことを感じました。
林桃ちゃんってフレーズの配置までよく聴いてるし、分析してるんですよ。細部まで聴いていて、「そこがいい」とか指摘されるんで。
菊池生意気にもすいません。オタクで（笑）。アレンジで、この楽器がこのラインを流しているっていうのがドレミで聞こえてくるので、分析しながら感動しています。
──歌入れしながらアレンジ萌えをしていたという？
林いやおそらく、上モノの楽器はボーカル録りのあとにアディショナルで追加することが多かったから、最終版の、完成した音を聴いて、それで感想を言ってくれるんですよ。
菊池はい、それが楽しみで仕方なくて。
──では続いて4thアルバム『ESCAPE FROM DIMENSION』についてです。本作リリース後にシングルの「Nile In Blue」と「ガラスの草原」が発売されるのですが、結果的にアルバムとしては林さんが手がけたラスト作品ということになります。またこのアルバムからは編曲を数曲、他のアレンジャーさんに依頼していて。
林はっきり言うと、自分のカラーで自分の曲をずっとアレンジしてるとやっぱりマンネリになるんですよね。僕の持論なんですけど、個性とマンネリって紙一重だと思ってて、どこを切っても金太郎飴だとして、それもひとつの個性なんだけど、何か変化を求めるときにメロディではなくサウンドにそれを求めたということですね。新しい個性に参加してもらって、新たな菊池桃子のカラーが出ればいいなという。
──『ESCAPE FROM DIMENSION』だと、思い入れのある楽曲はありますか？
菊池どの曲も好きとまた同じことを言ってしまうんですが、私が大人になってから、「Starlight Movement」のファンが多いことに気づいたんです。というのはファンのかたに “昔からずっと好きな曲なんです” とか、自分の元気ソングにしているというかたが多かったり、この世界の玄人のかたからもこの曲について話題にされることが多くて。
──「夜明けのバスターミナル」はホール＆オーツ風のアレンジになっていて、当時桃子さんがホール＆オーツが好きだと発言されていたことと関係があるのかなと思ったのですが。
菊池言ってましたか。
林僕としてはこのベースのリズムパターンは、ホール＆オーツというよりもスティーヴィー・ワンダーの「Part-Time Lover」が最初ですね。そのパターンをホール＆オーツが「Maneater」でやるわけです。なのでバリエーションとして、このパターンを使った菊池桃子の曲を作りたかったというのはありましたね。メロディはそれらとは別物ですけど、僕はこのメロディ気に入ってます。
菊池私もこのメロディ大好きなんですよ。
自分たちが背負ってきた陰りみたいなものも含めた明るさを出せれば──林
幸せなことをみんなで一緒に噛み締めたい──菊池
──ではおふたりが久しぶりの再会を経て作られた新曲2曲についてお聞かせください。まず「Again」から。
林 “出会い” とか “再び” っていうことがテーマになるだろうなという気はしていて。あと桃ちゃんも同じことを考えてたんだけど、コロナでみんなが一瞬立ち止まっちゃった中で、リスタート＝もう一度立ち上がろうっていう気持ちになれるようなものにできたらいいなと。桃ちゃんには「Say Yes!」っていう曲がありますけど、当時はすごく若かったから「がんばって！ がんばって！」っていう言い方で良かったと思うんですけど、今はいろんなことを人生の中で経験して、乗り越えて、さらに前を向いて歩けるように、ただ明るいだけじゃなく、自分たちが背負ってきた陰りみたいなものも含めた明るさじゃなきゃいけないなと。
──「奇跡のうた」についてはいかがでしょう？
林この曲は、客観的にこれまでの桃ちゃんの活動を見ていて、平和とか慈愛とか、そういうことをテーマにみんなにアピールする活動を今後していく気がしてならないんですよね。大学で教えていることも含めて、グローバルな活動に目を向けているっていうことが素晴らしいし、そういう視点から歌える曲はないだろうかと考えていたらバラードができて、こういう困難な時代にあるからこそ、優しい言葉で深い意味を込めてみなさんに届けられたらなということで詞を書いてもらって完成しました。
──では最後に、桃子さんからこの2曲への思いを聞かせてもらってよいですか？
菊池はい。「Again」は強いメッセージソングになればいいなと思っていて、それは歌詞だけじゃなく、歌うときのちょっとしたアタックのつけ方であったりとか、きちんと、“アゲイン” っていう言葉が聞こえるタイミングとか、そういうことを含めてみなさんに届くように。刺さるようにというより、きちんと言葉を置く。それをみなさん手に取ってくださいというイメージです。「奇跡のうた」は、大きな愛の曲になればいいなって思ったんですが、タイトルにある “奇跡” ってなんだろうって考えたんですね。この瞬間、幸せにスタジオでこうやってお話していることも、どこかの国の人から見れば奇跡のような幸せな時間です。私自身がまた再び歌うという機会に恵まれていることも奇跡だし、どちらかというと、幸せなことをみんなで一緒に噛み締めたいなっていう思いで歌いました。
取材・文：田渕浩久
写真：kisimari（W）
Momoko Kikuchi meets Tetsuji Hayashi.
Shadow Momoko Kikuchi and Tetsuji Hayashi
Special Talking Session
Momoko Kikuchi’s concept album Shadow, which includes two new songs, was released on 27 July. These two new songs were created by Tetsuji Hayashi, who had composed all songs in 12 singles and 4 albums of her since her debut in 1984. The collaboration of them were realized for the first time in 35 years. Kikuchi’s works have been highly regarded in the recent global city pop boom. By this the phenomenon is happening that the songs in albums overshadowed by single songs at the time which they had released started praising. Here is our talking session recorded for Spotify and I am going to give you edited version of what I have heard from them about the album and the two new songs.
“Blind Curve” is the song that I enjoyed the synergy of her voice
while making the album.
Hayashi
──Mr. Hayashi, Shadow, the new album of Momoko, has two new songs, doesn’t it? I’m sure the rest of the songs in it were selected from her other four albums. Let me ask you about OCEAN SIDE first.
Hayashi: When her debut single, “Seishun No Ijiwaru”, was released, I still didn’t quite understand what Momoko Kikuchi was like. As a result, I couldn’t express the sound of Momoko-ness at that time, which were told as it was like her later. I was not very good at making the songs having the glare and wet atmosphere of typical idol works up to that point. But when I first saw Momo-chan, I had the feeling that my own fundamental personality and her atmosphere would be a good match.
──I see. I thought the album’s artwork was also distinct from that the ones of other idols.
Hayashi: I felt Momo-chan was different from the other idols in a good meaning, off course. She was not a ‘typical’ idol. Then producer had a same feeling as me. Most album jackets of idols at the that time were basically portraits with a close-up of a smiling face. But as for OCEAN SIDE it was featured Momo-chan floating on the surface of a foreign sea.
Kikuchi: I thought that album jacket was really cool and I really liked it during photo shooting even before its completing. I felt I was cool that I was not doing ‘idol-like’ things, which was about both the sound and the jacket.
Hayashi: The producer and I had a mutual goal: to create cool music and design that young college students would like.
Kikuchi: I’ve also heard of it from the producer as well. He said he was aiming for creating the music that the listeners would be easy to listen anytime without hesitating to do it even if they would grow up. Looking back on it, I am very happy that I was able to be a part of a such an amazing concept musically.
Hayashi: As for the songs on the album, I wanted to express each scene of everyday life in the music, for example, how the students walk down the streets on their way to school, how they spend their time at home, or something.
──You said it. The lyrics of AQUA CITY, an album by Kiyotaka Sugiyama & Omega Tribe, have scenes of everyday life and “Ocean Side” has AQUA CITY in its lyrics. Considering of them, your words are convincing.
Kikuchi: I was listening to it. They were the band who had debuted a bit earlier than me and we were label mates. I respected them as my role models. I thought ‘what a cool sound’ about AQUA CITY and I thought how happy I was that I was able to sing under the situation created by the same members.
──Then, “Blind Curve” was covered by an Indonesian singer, Rainych, December 2020 and were streamed worldwide. This song was one of the album tracks, so it was not well known to the people in Japan except your fans. Could you tell us about this song at that time, Momoko?
Kikuchi: At that time? Well......
──Seeing the live video in 1985 told me that you wore the colorful jacket and sang that song playing the synthesizer. That looking was already can be called a city-pop visual.
Kikuchi: I just playing the chords, but I was happy to feel that I was getting closer to music.
──From this video I had an impression that you were saying like ‘I know how cool this song is! Do you guys also know it?’
Kikuchi: I was not a matured girl, but I believed in that I know how cool it was. Hahaha.
──How about you, Mr. Hayashi? What did you consider this song for you?
Hayashi: I was surprised to know that Rainych had covered this song. Why did she cover the unfamous song out of album tracks rather than single songs? But I know this song was a bit black contemporary like, soul-pop song. but with Momo-chan’s voice, it’s very neutralized and has its own unique character. I think it was one of the songs where I enjoyed that kind of chemical change while making the first album, and I got the feeling that I could do interesting things with it in the future. But how did you feel while singing? Wasn’t it hard to sing?
Kikuchi: I honestly said it was hard. At that time, the environment for singing was often not as good as it is now, so I tried ...... many times and really tried to get there correctly. Anyway, I sang so many times.
──Now I would like to ask you about the period of time for the release of your second album TROPIC OF CAPRICORN. I think you were quite busy with the single “Yuki Ni Kaita LOVE LETTER” and “Sotsugyo -Graduation-”, which reached No.1 on the Oricon charts, as well as with TV exposure.
Kikuchi: I was very busy because I studied hard in a special advanced class at the high school working as a singer. I didn’t think at that time that I would be in this entertainment industry for such a long time and promised my parents that I would go to school properly and I thought I would go to college and get a job after I graduate from it. So, it was hectic.
──You often appeared in the films and dramas at that time, didn’t you?
Kikuchi: Yes, I didn’t even have enough time to sleep.
──I remember that you were singing on TV songs like “Alfa Flight” and “Dear Children” from the album, TROPIC OF CAPRICORN was made under such a busy circumstance.
Kikuchi: I’ve just remembered that.
Hayashi: I haven’t known that.
Kikuchi: I appeared on TV to sing them when the album was coming out.
Hayashi: You were the sought-after idol so that the broadcasting company was willing to offer you the opportunity to sing that songs, I guess.
──In my opinion, that was a proof of how high the quality of composition was and it had established her identity so that’s why they offered that opportunity.
Hayashi: You’re right. I was convinced that the figure that she was looked from the others was connected with the music I created and I felt that we her singles and albums were reaching the fans in terms of sales, so I felt that I had given the right answer with “Sotsugyo -Graduation-” and that it had given me the impetus to write even better work. I think the timing of TROPIC OF CAPRICORN gave me the impetus to write better work.
──Momoko, if you are asked to pick the only one song out of TROPIC OF CAPRICORN which one of the songs would you pick up?
Kikuchi: That’s a tough question. I can’t choose just only one and I like all of them. Once I sing a song, I fall in love with the song. However, looking back when I was a child, I practiced the piano but it was not that I could play well all of the assigned songs. As I didn’t like cheerful songs in major keys since I was a child.
Hayashi: That’s interesting!
Kikuchi: I was a bit a strange child, don’t you think so? I loved children’s songs like “Chiisai Aki Mitsuketa” and “Donna, Donna” with their sad minor chords since I was around five years old. I remember that I played “Hotel California” of The Eagles learning by ear on the piano when I was in primary school.
Hayashi: What an amazing kid!
Kikuchi: Thank you. As it indicates, I love all songs in TROPIC OF CAPRICORN.
Hayashi: That makes sense. That’s really new for us.
I looked forward to the arrangements Mr. Hayashi made
and I feel happy to hear the obbligato of each instrument.
Kikuchi
──Now, please tell us about your third album ADVENTURE. The album was released after the singles “Mou Aenai Kamo Shirenai”, “Broken Sunset” and “Natsuiro Kataomoi”, and until “Mou Aenai Kamo Shirenai”, there was a trend of medium ballad style singles being released in succession.
Kikuchi: I didn’t pay attention to such trends in particular, but I think I had realized that I needed to express myself consistently, not only in up-tempo songs, but also in medium-tempo and slow-tempo songs. Aside from whether I could do it or not, I had been felt that it was musically correct to be aware of the beat, not just 8 beats, but up to about 16 beats. Recently, I was told by Mr. Hayashi that ‘You sing thinking too much in your mind’, and I think that’s probably been the case consistently for a long time.
Hayashi: What I felt while working on the new songs is that you have put the rhythm into your body. Unlike the image of ‘Momoko Kikuchi’ from the outside, you are surprisingly aggressive and a bit rock ’n’ roll.
Kikuchi: Indeed.
Hayashi: Musically, I felt it had an interesting sense of style. Like in “Mou Aenai Kamo Shirenai”, there’s a part in the bridge of the song in which the rhythm was deliberately shifted. You got through it properly and I thought you had a good sense of rhythm. The words ‘Sonna Okotta Ka o wo’ and ‘Te Mo Nigirenai Wa ta shi’ are all in the backbeat. You dared to do so. You were so sure of the rhythm.
Kikuchi: Yay! I’m so happy!
──This is because she took the rhythm on 16 beats, didn’t she?
Hayashi: Yes, that’s right.
──Now, let me ask you about the album ADVENTURE. It has also become popular overseas.
Hayashi: This album was made in the motif of the instrumental song (“Overture” from ADVENTURE) that I composed for the opening of her concert held at Nippon Budokan in 1985. I tried to make a concept album which has the same melody as the opening in the end of the album. I wanted to make a masterpiece, as it were, like Momoko Kikuchi’s SGT. PEPPER’S LONELY HEARTS CLUB BAND.
──I see. Have you ever heard of the news that your album became popular abroad, Momoko?
Kikuchi: Yes, I have gotten to know that by watching TV about a year and a half ago. I think maybe an American teenager sang “Mystical Composer” playing the bass and said ‘I love this song’. My reaction was like ‘What? what’s happening overseas?’ Just around the same time, I started to receive the messages from young people overseas on my Instagram or in my radio programs. I got a lot of comments saying ‘I’m listening to ADVENTURE’ or ‘I love ADVENTURE’ or something. That made me know the situation.
──How did you know about it, Mr. Hayashi?
Hayashi: I had heard of it from the people around me. But I didn’t understand how come did young people overseas so often listen to “Mystical Composer”. Why “Mystical Composer”? I still don’t know that reason. When I compose an album, I first decide the main single song. Then I make the other songs which enhance the single song. But it doesn’t mean I can just make melodious songs. If that type of song will follow the same type of the song, there is a possibility that they annoy each other. Melodious songs are beautiful but not always good things. When I was thinking about the track list and its order on the new album Shadow, I received requests from Momo-chan for the songs she wanted to include. She selected a bit intense music more than I expected. But that song can bring synergies by following the ballad. “Mystical Composer” was made aiming for that intension.
──So you mean “Mystical Composer” was for charming to a previous song and a next song?
Hayashi: Yes, I made it as a bridge to the next song, as it were.
Kikuchi: No way!
Hayashi: This is the song that I was wondering if the lyrics of it said about me. Hahaha.
Kikuchi: I literally believed you were a Mystical Composer.
Hayashi: It’s interesting that people overseas like to listen to this kind of music, even though there is something different from the beat we feel, I guess.
──I see. Speaking of beat, “Good Friend” was re-edited by Night Tempo at a tempo almost 20 BPM faster in ‘The Showa Groove’, wasn’t it?
Hayashi: I also made a disco album at the end of the 70s, but the rhythm of life and the tempo of the world that everyone feels has gotten faster. So maybe that tempo is suitable for today.
──What is your idea about Night Tempo’s “Good Friend”, Momoko?
Kikuchi: I thanked him for letting me listen something very new. He incorporated the way Japanese people usually didn’t take. It was that he cut the sentence at unusual point and put the refrain. By listening to how Night Tempo makes the sound, I realize that it will be handled in digital processing if you play the notes as written. You don’t have to arrange the score. My weakness was that I couldn’t sing with arranged the score, but I thought that might be my strength in that meaning.
Hayashi: Momo-chan listens carefully and analyzes details of phrases. She points out and gives me a direction like ‘this is it’.
Kikuchi: I’m sorry if I was out of line. I’m kinda geek. I feel happy to hear the obbligato of each instrument while I analyze it.
──Were you delighted with the arrangements while you were singing?
Hayashi: I think she just mentioned her idea by listening the completed sounds. Because most of the instruments other than a rhythm section are usually recorded after recording the vocalist.
Kikuchi: I couldn’t wait to have it.
──Next, let’s talk about the fourth album ESCAPE FROM DIMENSION. The singles “Nile In Blue” and “Glass No Sogen” were released after this album. As a result, that was the last album that Mr. Hayashi worked on. In addition, other arrangers have worked on several tracks on this album.
Hayashi: To be honest, if I keep arranging with my own way, I will get into a rut. This is in my opinion but there is a fine line between individuality and mannerism. There is a proverb in Japan that like Kintaro candy, no matter how much you cut it, it’s the same, which is in a cynical meaning. But I think keeping the same is also individuality. When I wanted something to change, I looked for it in the sound, not in the melody. I hoped her new personalities is added to this music, and we can express the new color of Momoko Kikuchi.
──What is your favorite song from ESCAPE FROM DIMENSION ?
Kikuchi: I’ve said to you before, I like all the songs, and growing up, I realized that there are a lot of fans of “Starlight Movement”. They said that it has always been their favorite song, or that they listen to as their own song to cheer them up, and many experts in this field have also talked about this song.
──“Yoake No Bus Terminal” has an arrangement like Hall & Oates, and I wondered if it was related to your statement that you liked them.
Kikuchi: Did I mention it?
Hayashi: As for me, this bass rhythm pattern was inspired by Stevie Wonder’s “Part-Time Lover” before Hall & Oates. So Hall & Oates did that pattern in “Maneater”. So as a variation, I wanted to make a Momoko Kikuchi song using this pattern. The melody is different from those, but I like this melody.
Kikuchi: I love this melody, too.
I wanted to express our meaningful life that there are ups and downs.
Based on that, I wanted her to sing lively and cheerful.
Hayashi
I want to share that moment and share the happiness.
Kikuchi
──Please tell us about the two new songs. I’m sure you two have met each other for the first time in a while for making these songs. Tell us about “Again”, first.
Hayashi: As for this song, I had a feeling that the themes of it would be ‘encounter’ and ‘again’. I thought it would be good if we could make the listeners feel like start over again.
Because, you know, everyone has stopped for a moment due to COVID-19. Momo-chan had the same thoughts as me so our idea for this song matched. As you may know there is a song “Say Yes!” of her and it was ok she sang in a way of just lively and cheerful when she was a young. But now she is mature woman who experienced a lot. I wanted her to express our meaningful life that there are ups and downs in her singing. Based on that, I wanted her to sing lively and cheerful to deliver the message ‘look forward’.
──What do you think about “Kiseki No Uta”?
Hayashi: I can clearly imagine that she will continue to tell everyone the importance of peace or love by looking at her recent activities objectively. I think it is great that she teaches at universities, and she looks at global activities. I wanted to reflect these things in composing. As a result, these ballad songs came in reality and I asked to put tender lyrics on it in order to deliver our thoughts for everyone living in this difficult situation.
──To end of this session, can I ask you to tell us your thoughts on these two songs, Momoko?
Kikuchi: Sure. I hope “Again” will become a powerful message song for the listeners. I mean it is not only its lyrics but also the things I paid attention. I really cared for the way how to put staccatos in detail, the timing of saying ‘again’ during singing. I tried to make them understandable to make it become powerful message for the listeners more than trying to make them be in touch. I hoped “Kiseki No Uta” would become the greatest love song, so I thought thoroughly what ‘Kiseki’ in the title was like. My answer is that this moment like we spend a time chatting happily is miracle for the people living in the certain countries. Also, the opportunity of that I can sing again is miracle. As for “Kiseki No Uta” I tried to sing it to tell the listener I want to share that moment and share the happiness.
Text: Hirohisa Tabuchi
Translation: Mami Yasugi
Photo by kisimari（W）